El secreto de un buen sonido, según Chris Newman
Por Lázaro González González
Chris Newman entró a la escuela de ingeniería de Boston, en 1950 y a los 3 años se hartó de la educación, porque le parecía muy aburrida. Se fue a Nueva York y, para no depender de sus padres vendió cupones en un supermercado, fue mecanógrafo, y hasta limpió pisos en un estudio de grabación.
Allí, tenía la esperanza de que lo enseñaran a trabajar con el sonido; pues, si algo descubrió durante los casi veinte años que había vivido, era que le gustaba la idea de trabajar en los grandes estudios de música de la “Gran Manzana”.
En aquel tiempo, el sonidista de Amadeus, El paciente inglés, El exorcista, El padrino, El silencio de los corderos, y muchos otras películas imprescindibles para la historia del cine norteamericano, solo intentaba sobrevivir en medio del ajetreo neoyorquino y aprender lo que pudiera, de manera autodidacta.
« Eso ocurrió – como es lógico – mucho antes del digital. Entonces, todo era cinta y cables. En el estudio donde empecé a trabajar como empleado de limpieza, se hacían grabaciones de 8 pistas para uso doméstico. Las cintas eran duplicadas por unas máquinas, las cuales debían ser operadas por una persona. En algún momento, me correspondió hacerlo.
Me pagaban un centavo por cada una; pero, si realmente me esforzaba, podía ganar un dólar más por encima del salario mínimo de esa época. Trabajaba los fines de semana, 12 horas por día, para poder ganar el dinero que necesitaba para mantenerme. El resto del tiempo, laboraba en un estudio. Finalmente me subieron el salario mínimo y, además, pude aprender a realizar todo tipo de grabaciones».
Newman visitó recientemente la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) de San Antonio de los Baños, para impartir un taller a estudiantes de tercer año de la especialidad de sonido. Al final de una de sus clases, el profesor de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, accedió a contarme algunas de sus experiencias.
¿Cómo empieza a trabajar para el cine?
Un buen día me proponen hacer un documental en el medio oeste de Estados Unidos. Les dije “bueno, estoy feliz de ir pero no sé usar el equipo”. Me quedé toda una noche aprendiendo a usarlo. Recuerdo que los micrófonos parecían pepinillos y la grabadora era del tamaño de una mesa y pesaba como 300 libras. Tenías que hacerte amigo del asistente de cámara, de lo contrario, no podías cargarlo tú solo.
Así me fui 3 semanas, y resultó maravilloso. Regresé y me empezaron a pagar 25 dólares al día. Eso, si consideras que mi apartamento rentado costaba menos de 3 días de trabajo, era un buen negocio. Luego de esa experiencia, anuncié al mundo que era un sonidista. Trabajaba un día al mes y me pagaba la renta, después un día a la semana y aceptaba cualquier trabajo que me dieran. Hice comerciales – de manera independiente – mucho trabajo documental, y por supuesto, conocí mucha gente. Después en 1966 terminé yendo a Viet Nam, Laos y Cambodia donde adquirí más experiencia.
En el 68 hice mi primera película, que se llamaba Medium cool, un documental para cine sobre los disturbios de Chicago, durante la convención nacional democrática. La película fue dirigida por Haskell Wexler, que era fotógrafo pero a la vez dirigió este documental; y me presentó a Gordon Willis y al operador Mike Chapman.
Después hice Klute, y Little murders, entre otros filmes, y rechacé un trabajo que ni Gordon y Chapman admiten haberlo hecho, se llama La gente de al lado. Más tarde me llamaron para hacer una película, que era muy complicada, pues era una época en la que realmente los micrófonos de radio no eran muy confiables y yo no sabía cómo los iba a poder utilizar, así que rechacé también a ese trabajo y pensé que más nunca iba a poder trabajar.
Tres horas después me llamó un productor y me dijo: “hay un joven aquí en la ciudad que va a hacer una película sobre el tráfico de drogas de Francia a los EU, que iba a haber una persecución de autos por la ciudad… Así hice The french connecction. Por esa época, en los años 70´s, había mucho ajetreo en NY y logré hacer 32 películas en 10 años. Terminamos The french… el viernes, y el lunes comencé con El padrino, e hice una prueba en la pantalla, para otra película que no recuerdo cuál fue.
Al principio trabajaba exclusivamente en Nueva York, no es hasta finales de esa década, que logré trabajar en California, y en Europa a la siguiente.
– De todos estos largometrajes, ¿cuál es la más importante para usted?
– Depende de cómo tú lo quieras ver, porque Medium Cool para mí es una película grande, pero también The landlord, porque fue la primera vez que trabajé con un equipo técnico de muchas personas. Y cuando hice The french connection, ya estaban realizadas Klute y Little Murders; pero es cierto que fue mi primer gran éxito. Medium cool es una película de culto, mientras The landlord sólo es conocida entre los realizadores por ser la primera película de Hal Ashby, y Klute es recordada especialmente por la sorprendente actuación de Jane Fonda.
The french… es una película muy pareja. Cuando se estrenó, realmente atrapó a la gente. En el estudio querían cambiarle el nombre a la película, tenían miedo de que el público americano pensara que iba a ser una película francesa. Al fin, mantuvo el nombre, se estrenó y nadie tenía la menor idea de su potencialidad.
Acudí al último screening para la prensa. Normalmente, estas presentaciones son muy calladas. La gente se levanta cuando se enciende la luz, murmuran y se van. Pero en este caso, comienza la película y llega la parte de la persecución de autos. Cuando termina la persecución, y el protagonista mata al francés en las escaleras, el público empieza a aplaudir.
La película fue un éxito: ganó mucho dinero, y obtuvo varios premios Oscar. Fue mi primera nominación y una gran sorpresa porque entonces yo solo quería trabajar en grandes películas, nunca soñé en ser nominado para los Oscar, y mucho menos con ganar.
-En todos esos filmes que realizó, ¿se dedicaba al sonido directo o a la posproducción?
Preferí siempre trabajar en la producción. La razón por la que yo soy grabador de set, es porque soy el peor operador de boom que he conocido en la historia: por eso me hice grabador. No trabajo en post producción, pero gracias a todo lo que he aprendido sé muchísimo de esa parte del proceso. He supervisado pre mezcla de diálogos y algunas veces colaboro con la gente de post producción durante la mezcla de la película.
También, cuando el director me pasa la película, le doy mis notas para que las lea después, pero no trabajo directamente en la post producción. Cuando Amadeus, sí estuve durante tres meses en la post, y lamento no haber terminado, pues tenía otras obligaciones.
-Ha ganado el Oscar por El exorcista, Amadeus y El paciente inglés, quisiera que me comentara qué hacía exactamente en estas películas y alguna anécdota que haya tenido durante el rodaje.
-Cuando me nominaron por El exorcista, ya había sido nominado durante 3 años consecutivos. Secretamente, pensé que íbamos a ganar porque cuando vi al resto de las competidoras, no había ninguna que tuviera ese gran sonido, por eso digo que El Exorcista era como un musical. El secreto de los premios de la Academia es que te nominen 4 mil o 5 mil personas que no saben nada de sonido.
De este momento tengo una anécdota muy interesante. No quisieron pagarle a mi esposa para que fuera conmigo a Los Ángeles. Teníamos un niño pequeño que estaba lactando, así que nos fuimos los tres a un pequeño hotel de Hollywood, rentamos un auto, y el día de los Oscar – no lo voy a olvidar mientras viva- dejamos al bebé con mi amigo que vivía cerca, y me puse una chaqueta muy cara.
Una vez en el auto, para no estrujarla, la puse en la parte de atrás del asiento. Llegamos al teatro y cuando fui a sacar la chaqueta del auto, el parqueador se llevó el auto y tuve que salir corriendo detrás de él. Al final obtuve la chaqueta, me la puse, entramos, nos sentamos, esperamos y esperamos…
En algún instante dijeron nuestros nombres. Estaba como dormido. Marcel Marceu era el presentador. Bajamos del escenario, y fuimos hasta un elevador que te baja adonde está la prensa y aunque es un solo piso, se siente como si fueran 90. Allí iba también Marceu, que me mira, con un fuerte acento francés, y pregunta ¿lo hice bien? Me asombró muchísimo que el mimo más famoso del mundo preguntara a un chico de Brooklyn, si había actuado bien en la película.
-¿Cuál es el secreto para hacer un buen sonido?
– Una pregunta que tiene muchas respuestas y significados. Cuando a Gordon Willis le preguntaban cómo él se preparaba para hacer una película, decía que iba conduciendo el trabajo a 20 millas por horas. Todo el mundo se preguntaba qué quería decir eso, y quiere decir, simplemente, que él estaba pensando qué iba a hacer, o sea, como diría Woody Allen, “el secreto es aparecer”. Llegas temprano, piensas qué vas a hacer, lo haces lo mejor posible, buscas las mejores personas que puedas tener al lado tuyo, y cada puto día traes mejor disciplina, hasta que llegue el fin de semana, hasta que se acabe la película. El último día de rodaje es como si estuvieras sumergido en una piscina y llegaras a la superficie aguantando aun la respiración. Pero lo cierto es que yo no sé cuál es el secreto. Quizás el secreto sea que no hay secreto.
-¿Qué piensa de la educación cinematográfica?
– Creo que en teoría es una maravillosa idea, aunque aquí tengo dos puntos de vistas, dos pareceres. Muchas de las personalidades involucradas con los jóvenes, necesitan tener la estructura de una escuela, fechas topes, y las motivaciones de esos obstáculos. Pero del otro lado, muchos de los profesores y buena parte de los procesos le quitan a los estudiantes la posibilidad de elegir, cometer errores, aprender solos, de pensar por ellos mismos.
Creo que enseñar trata de dos cosas nada más: no de un portafolio de películas, aunque es muy valioso, tienen que crecer y aprender a resolver problemas, y si pueden hacer eso, lo demás lo pueden aprender. A muchos, demasiada educación los desalienta a arriesgarse. Algunos estudiantes que veo en Estados Unidos y aquí, hablan de tener más educación. Para mí, más educación valiosa retrasa lo inevitable, sales de la casa, sales de la escuela y prácticamente estás en el mundo real.
La mayoría de nosotros, con un poco de inteligencia, podemos aprender a usar estos equipos en tres o cuatro horas, la discusión de dónde poner la cámara, las luces, y cómo escribir un guión, ¡valiosas!; pero lo más importante, basado en mis experiencias, es hacerlo, al carajo todo lo demás, fracasar es lo mejor, esa es mi respuesta a la educación.
Esta es una escuela maravillosa, con la mentalidad apropiada, pero está atrapada en ser lo que es. Creo que la mayoría de las escuelas se beneficiarían con la siguiente manera, un año de escuela y otro de trabajo, o medio año de una cosa y seis meses más de la otra, hasta que finalmente los niños están nadando sobre la piscina. Veo estos chicos encantadores y bastantes maduros, pero aún están atados a algo. O sea, como digo usualmente: ojalá en las escuelas de cine pudiéramos hacer las películas solo con la boca, mas, es mejor que hacer películas de verdad.
-¿Disfrutó la conferencia impartida en la Sala Glauber Rocha?
– Fue una noche especial, pues de alguna manera tengo que atrapar el público, y esa vez fue una audiencia maravillosa: se quedaron, se atraparon, se involucraron. A veces, en otros lugares, he notado a los estudiantes completamente aburridos y entonces presiento que no lo estoy haciendo bien. En la EICTV no me ocurrió, pero yo había previsto que, si el público se me quedaba dormido, los iba a poner a cantar, y a bailar, a ver qué pasaba.
Recuerda que todas las anécdotas que cuento son muy graciosas y todas se narran por una razón. Es decir, la historia que te conté dice algo de cómo se hacen los estudios, y de mí también. Por ejemplo en Amadeus yo sabía que íbamos a ganar, era una obra grande, no había forma de perder. No obstante, me dieron dos masajes el mismo día y nos fuimos a Los Ángeles. Esta vez teníamos limosina y todas esas cosas, pero la cadena quería que lo hiciéramos todo muy rápido, y éramos cuatro, uno de ellos era Mark Berger, el mezclador principal, y entonces los estudios me dicen que decidieron que quien iba a decir el discurso era él. Así que fui a su habitación, teníamos 40 segundos para darle forma al sonido, eran 10 segundos cada uno y yo juro que hice que practicaran, hasta que hicimos el discurso en 40 segundos.
– ¿Cuándo lo volvemos a tener por acá?
– Al principio de 2016 pienso estar de nuevo por acá, y si los demócratas se quedan en la Casa Blanca, definitivamente voy a regresar.
Dos retrospectivas del FICCI homenajean al Gabo
José Arcadio Buendía, uno de los personajes inolvidables de Gabriel García Márquez, marcó cada objeto de Macondo durante la peste del olvido para recordar qué significaban y para qué servían. El Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI), desde la próxima edición, cuando celebra sus 55 años, remarcará la importancia de la memoria para recordar lo que nos hace parte de una cultura con un sentido homenaje a la pasión de Gabo por el cine junto con la selecta retrospectiva 5+5 FICCI.
Memoria de mis películas preferidas
El premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, paradójicamente nunca estudió literatura pero sí cine, y lo hizo en la que en su momento era considerada una de las mejores, el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma. Su deseo era convertirse en director y aunque no se dedicó a ello, escribió varios guiones, se convirtió en uno de los columnistas de cine más leídos en Colombia y el resto del continente y, vio su inicial interés hecho realidad y multiplicado en los cientos de jóvenes que han pasado por la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños en Cuba, de la cual fue uno de sus principales gestores, aparte de las veinte adaptaciones cinematográficas basadas en su obra, hechas en todo el mundo.
El FICCI 55 rinde un sentido homenaje a quien fuera uno de sus amigos más cercanos, uno de sus grandes impulsores, permanente visitante y respaldo de todas las actividades del festival con la retrospectiva «Gabo: Las películas de mi vida» las que lo marcaron entre 1948 y 1981, que sin duda influenciaron su obra literaria, con las que compartió conceptos tanto narrativos como estéticos y que aparecen citadas en sus biografías, entrevistas, columnas y artículos periodísticos. Una oportunidad para los jóvenes de conocer y de reconocer para quienes ya las vieron, el por qué fueron sus favoritas: El ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica (Italia, 1948), Rashomon de AkiraKurosawa (Japón, 1950), 2001, Odisea del espacio de Stanley Kubrick (EE.UU., Reino Unido, 1968), El General de La Rovere de Roberto Rossellini (Italia, Francia, 1959),Manos peligrosas de Samuel Fuller (EE.UU., 1953),Una historia inmortal de OrsonWelles (Francia, 1968), El hombre en la Torre Eiffel de BurgessMeredith (EE.UU., Francia, 1949), Jules et Jim de FrancoisTruffaut (Francia, 1962), Barbarroja de AkiraKurosawa (Japón, 1965) y Jennie de William Dieterle (EE.UU., 1948).
Historias que hicieron historia: 5+5 FICCI
Son 55 festivales hechos en Cartagena durante cincuenta y cinco años, con cientos de películas que han participado y dejado huella. Títulos inolvidables que en su momento rompieron los moldes de las estructuras clásicas, creadas y pensadas desde nuestro contexto iberoamericano con toda la fuerza aun cuando los presupuestos, la técnica y las estructuras eran mínimos. «5+5 FICCI» busca traer al presente historias que hicieron historia en nuestra cinematografía y que para muchos resultan totalmente desconocidas.
En esta retrospectiva veremos algunas de las películas más emblemáticas que han participado con un amplio espectro de países y años. El pez que fuma de Román Chalbaud (Venezuela, 1977), El lugar sin límites de Arturo Ripstein (México, 1978),Tiempo de revancha de Adolfo Aristarían (Argentina, 1981), Lavoura Arcaica de Luiz Fernando Carvalho (Brasil, 2001), La luna en el espejo de Silvio Caiozzi (Chile, 1990), El crimen de Cuenca de Pilar Miro (España, 1980), ByeBye Brasil de Carlos Diegues (Brasil, 1980), Cabeza de vaca de Nicolás Echevarría (México, 1991), Retrato de Teresa de Pastor Vega (Cuba, 1979) y La ciudad y los perrosde Francisco Lombardi (Perú, 1985).
(Tomado de Boletín FICCI 55)
Anuncian resultados de concurso latinoamericano de argumentos de guiones
Egresados de la EICTV ganan prestigiosos certámenes de guión
Los egresados de la EICTV Carlos Lechuga y Armando Capó recibieron recientemente dos prestigiosos fondos para desarrollo de guión que contribuyen a fomentar la producción de nuevos contenidos audiovisuales de calidad.
Lechuga resultó ganador del XI Premio SGAE de Guión Julio Alejandro, el galardónpara guionistas más importante en Iberoamérica y España, entregado recientemente dentro de la gala de clausura del 40º Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.
Capó, por otra parte, recibió el Fondo de Desarrollo de Guión del 34 Festival Internacional de Cine de Amiens por el libreto del largometraje Agosto, que será su ópera prima de ficción, y transcurre en los años 90 durante la crisis de los balseros en Cuba.
El premio de la SGAE – consistente en 25.000 euros–se le entregó al joven realizador cubano por el guión de Santa y Delfín, una historia ambientada en Cuba durante 1992 que se acerca a las vidas de Delfín, un escritor cincuentón que años atrás fue considerado un “homosexual con problemas ideológicos” y Santa, una campesina de solo treinta años de edad que está encargada de vigilarlo.
Según declaraciones del autor al sitio oficial de la SGAE su intención es que el libreto se pueda convertir pronto en una película: “El premio tiene una doble importancia, porque aparte del honor de ganarlo es una posibilidad real para filmar el largometraje. Estamos más cerca”.
Además de Santa y Delfín, los otros dos guiones finalistas han sido Bajo el sol, de Humberto Jiménez Penha (Brasil-Nicaragua y Siete horas, de Chema Rodríguez (Sevilla, España) y Francisco Vargas (México), seleccionados de un total de 208 trabajos que se han presentado a esta XI edición procedentes de España e Iberoamérica.
El jurado del XI Premio SGAE de Guión Julio Alejandro estuvo compuesto por Chus Gutiérrez (cineasta), Gerardo Herrero (cineasta y productor), María Jaén (guionista) y Juan Tébar (guionista, en representación de ALMA), y ha sido presidido por la cineasta Inés París, directora institucional de Audiovisuales de la Fundación SGAE.
Por otra parte, Agosto fue seleccionado junto a Noria de Omar Mouldouira, TheroadtoMandalay de Midi Z, Tel Aviv onFirede SamehZoabiy el proyecto francés La vie des Morts, de Karim Bensalah.
El fondo del festival de Amiens elige anualmente una veintena de proyectos que son presentados y defendidos por sus directores y productores ante un jurado de profesionales que otorga cinco premios cuya dotación económica suman 47.000 euros (cuatro premios de 10.000 euros y uno de 7.000, reservado para un realizador francés cuyo proyecto aborde los problemas de la integración en la sociedad francesa).
Carlos Lechuga se formó como director en el Instituto Superior de Arte y continuó sus estudios en la Escuela Internacional de Cine y Televisión en la especialidad de guión. Su trabajo como director incluye varios cortometrajes como ‘Los bañistas’ y ‘Cuca y el pollo’. Como guionista, ha participado en cinco largometrajes.Melaza ha sido su primera película como director estrenada internacionalmente en el Festival de Cine de Rotterdam y ganadora, entre otros, del premio a Mejor Película Latinoamericana en el Festival de Cine de Málaga, y el ‘Newcomer of theYear’, premio principal del Festival International de Mannheim-Heidelberg, en 2013.
Armando Capó es egresado de la EICTV en Dirección de Documental, del Instituto Superior de Artes en la especialidad de Dirección de Radio Cine y Televisión y de la Escuela Profesional de Artes Plásticas. Actualmente trabaja como Coordinador de la Cátedra de Ficción de la escuela de todos los mundos. Sus documentales han sido premiados en diferentes festivales en el mundo. Durante el 2013 el MoMA programó La marea, La inercia y Nos quedamos y el festival de cortometrajes de Winterthur, Suiza realizó una retrospectiva de su obra documental.
«Eres lo que haces, no lo que dices»
Por Kiki Álvarez
Hermosa definición para dirigir actores y definir quién eres.
Ese fue el aprendizaje esencial de las dos semanas del Taller de interpretación y dirección de actores que la gran maestra Marjorie Ballentine, impartió a los alumnos de tercer año de la Cátedra de Dirección de Ficción de la EICTV.
Un regalo para los actores, para los estudiantes, y para mí que con ella volví a descubrir que uno nunca termina de aprender.
Aprendimos que actuar es un derecho que el actor tiene que ganarse.
Que dirigir es un derecho que hay que ganarse.
Y que estudiar y enseñar son derechos que uno tiene que ganarse y renovarlos todos los días, a cada instante.
De Marjorie, apenas sabíamos nada, nos llegó su referencia, vimos su currículo, su página web y nos preguntamos cómo y en qué momento traerla. Fue cosa de ver nuestro cronograma y encontrar, suponer, el momento justo en el que su propuesta podía enriquecer la formación de nuestros alumnos. Una apuesta de riesgo que solo una escuela de permanente carácter experimental como la EICTV, puede permitirse.
Y sucedió, nuestros alumnos y nosotros recibimos el rigor de una manera de trabajar, que no conoce fronteras, ni prejuicios, ni limitaciones académicas. Una manera de entender el arte y la formación de un artista que nace de la intuición y el intercambio constante de saberes y sensibilidades.
Dice Marjorie que ella aprendió de cada uno de los actores y de cada uno de los estudiantes, pero nadie puede saber cómo ellos, todo lo que les entregó a cambio.
Con maestros como ella, la utopía iniciática de esta Escuela, siempre será posible.
Gracias Marjorie Ballantine, la EICTV, nuestra casa, es también tu casa.
Alumnos y actores del taller.
Andrés Farias
Laura Plazas
Javier Ferreiro
Maryulis Alfonso
Rubén Rojas
Johanna Pérez
Linnett Hernández
Maribel García
Rosalia Duque
Yordanka Ariosa
Rosa María Rodríguez
Mariam Montero
Carlos Alberto Méndez
Yaniel Castillo
Cezar Domínguez
Yasmani Guerrero
Producción
Monica Pita
Traducción
Isabel Lanio
Mariano Bartolomeu: dirigiendo la cámara en múltiples direcciones
Entre 1989 y 2008 realizó un gran número de cortometrajes bajo la influencia de directores europeos y escritores europeos y norteamericanos. Ahora siente que es el momento de desarrollar más intensamente un estilo propio.
Como la mayoría de los angoleños, su familia ha sufrido décadas de guerra, pero fue afortunado al poder completar su educación en el extranjero, primero en Brasil y después en la Escuela de Cine de Cuba.
Su hermano mayor fue el director artístico del grupo Os jovens do Prenda en los 80s, como él dice “una de las empresas más importantes de Angola”.
Su trabajo previo incluye tanto el género documental en Thesunstillshines (El sol brilla todavía) en el que aborda el legado de las minas terrestres y la frustración de gente que depende de la ayuda alimentaria, como ficción en A perfectnighttotalkaboutlove (Una noche perfecta para hablar sobre el amor), basada en un relato corto de J.D.Salinger.
Su obra fue presentada en la 3ª edición del festival de cine Olhares sobre Angola en Lisboa, donde compartió sus pensamientos tomando un café en el bar de la planta superior.
Háblenos de su nueva película, Ilundu.
El título significa “Los Protectores”, los espíritus de nuestros ancestros en la lengua Angoleña Kimbundu. Está inspirado en el título de un libro de Oscar Rivas, un antropólogo angoleño muy conocido. Será mi primer largometraje, en forma de road-movie. Muchos jóvenes angoleños que nacieron tras la independencia no conocen el país, porque después de la guerra parecía dividido en diferentes islas separadas las unas de las otras. Es un chico de Luanda quien redescubre el país, y a sí mismo, mientras lo recorre. Quiero utilizar música de los años 60 y los 70, pero también música contemporánea.
Es difícil conseguir financiación, porque normalmente necesitas un guión terminado, pero quiero que esta sea una historia sin final, que transcurra a medida que progresa, con mucha improvisación. Me gusta el Neo-Realismo italiano de los años 50. Tras más de veinte años de guerra en Angola, la gente guarda para sí muchísimas historias que necesitan ser contadas, no es necesario que todos sean actores profesionales.
Entonces, habrá muchos contrastes en la película – me imagino que los aldeanos estarán muy sorprendidos al ver lo deprisa que se está desarrollando Luanda.
Sí, será una narración circular, que va y viene de los mundos urbano y rural. Cuando estaba rodando un documental en Malanje, me sorprendió lo fuertes y expresivos que eran los campesinos locales. No utilizamos aquel material, pero comencé a pensar que las personas corrientes también podían ser actores. Sigo buscando fondos; vivo en Estados Unidos, donde es difícil recaudar dinero a menos que realices un éxito de taquilla.
¿No es Luanda algo así ahora mismo? En Angola Año Zero vimos muchos retornados con formación accediendo a profesiones de élite – La Agencia de Empleo de Élite! Negocios, negocios, negocios.
Fui educado en Estados Unidos y Cuba, y para muchos, es fácil encontrar trabajo al regresar a Angola con Grados en Ingeniería. Yo siempre he ido de un lado para otro.Estudié cine en Cuba, regresé a Angola unos meses y después viví en Italia varios años, cuando estalló la Segunda Guerra en Angola.
Regresé en 1997, y algunos años después gané una Beca Fullbright de Cine, permanecí cuatro años y finalmente regresé y viví en Angola como adulto durante cinco años. Actualmente vivo en Estados Unidos.
¿Qué opina de la política reciente en Angola? Parece haber pasado de un régimen marxista anti-colonial a un capitalismo incontrolado sin haber cambiado de presidente. ¿En qué situación considera que se encuentra la igualdad a día de hoy?
Bien, es un asunto delicado, creo que la vida es así. El país se está desarrollando deprisa, están sucediendo algunas cosas buenas y muchas cosas malas.
Es muy intenso, estamos tratando de buscar la manera de dejar la guerra atrás y dar un paso al frente hacia una situación estable.
Habrá muchos desequilibrios hasta que la máquina se recomponga, hay quien dice que se evoluciona a partir del caos.
Pero, ¿En qué dirección se evoluciona – una pirámide con los muy ricos en la cima?
Creo que hay mucho por corregir.
¿Está interesado en estos temas desde el punto de vista de futuras realizaciones cinematográficas?
Sí, no abordo la política de forma directa, pero se refleja en mis películas metafóricamente si se busca. Cuando grabo una película, solo trato de política en mis documentales, no en la ficción. Es una forma de equilibrar mis necesidades como persona.
¿Cuándo dejó Angola por primera vez?
A los 15 años viajé solo a Río de Janeiro, donde permanecí dos meses y fue impresionante. Después de eso ya no me detuve, estuve en Cuba estudiando en la Escuela Internacional de Cine y TV, que fue fundada por García Márquez. La escuela estaba respaldada por la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, con profesores procedentes de todo el mundo, Coppola, George Lucas – organizaron talleres durante un mes o dos, no es una estructura académica.
¿Cómo fue la experiencia en Cuba como angoleño, especialmente después de la implicación cubana en la guerra?
No esperaba vivir este tipo de experiencias en Cuba, porque la escuela de cine está fuera de La Habana, es como una burbuja dentro de Cuba, hay mucha libertad de expresión, no hay censura en absoluto.
El director de la Escuela no puede ser cubano. Cuanto estuve allí, la mayor parte de los estudiantes eran africanos y latinoamericanos, unos pocos asiáticos, hoy en día hay alumnos de todas partes.
Para mí fue un impacto positivo, porque yo era muy joven y estaba expuesto a ideas de todo el mundo, además el equipamiento era muy bueno.
En las primeras clases a las que asistí, el profesor era peruano, y como llegué dos meses después de que comenzase el semestre, él no estaba seguro de que fuese capaz de seguir su español.
Lo que no sabía es que yo había tenido profesores cubanos en la escuela de Angola, por lo que había aprendido español. Comimos y bebimos cine 24 horas al día, al levantarse siempre había alguien filmando o editando en su cuarto.
Usted dijo en una ocasión que las narrativas oníricas son importantes para la realización de películas.
Me di cuenta de ello cuando vi las películas de Maya Deren, una realizadora experimental de la década de los 50. El lenguaje que utiliza está muy relacionado con los sueños. También me interesaban los jeroglíficos que contienen imágenes pictóricas. Realicé películas, cortometrajes, experimenté con la narración y las imágenes, y ahora me siento preparado para hacer algo más serio. Nunca dejamos de aprender. Realicé una película experimental que noestá incluida en la muestra – se titula ThePlane (El Avión).
¿Hay algo más que desee contarnos?
Además de Ilundu, estoy trabajando en otro largometraje con un productor de Hollywood, basado en un hecho real. Un acontecimiento de siglo XVII; el emisario del Rey del Congo es enviado a Roma, atraviesa España y Portugal y permanece tres años en la corte del Rey Felipe III. Es un proyecto ambicioso en el que yo no soy el director, sino que he escrito el tratamiento, las diferentes escenas de la película. El título provisional es TheAmbassador (El Embajador). Quiero hacer una mención especial a Rui Costa Reis de RCR Media Group.
(Tomado de The Prisma)
Anuncian seleccionados del Encuentro NUEVAS MIRADAS 8
Convocatoria Curso Regular
Con un fuerte saludo eiceteviano lanzamos al mundo la Convocatoria para las pruebas de ingreso al curso regular 2015 – 2018.
La EICTV, inicialmente Escuela de Tres Mundos y luego renombrada Escuela de Todos los Mundos hace honor a esta designación extendiendo esta Convocatoria a todo el planeta. Sabemos que a pesar de que esta escuela tiene por herencia y definición de sus fundadores, una fuerte presencia en la región de América Latina y el Caribe, ha incorporado en los últimos años a estudiantes de todas las latitudes, con lo cual en estos momentos tenemos graduados de sesenta países de todo el planeta; aunque el 87% son latinoamericanos.
La vida y el tiempo han demostrado que la convivencia de tres años en la EICTV, si bien no puede borrar los orígenes de cada persona, da lugar a una muy especial interacción e intercambios de culturas que al final producen un nuevo tipo de nacionalidad que ha dado en denominarse EICETEVIANOS, que es un tipo especial de ser humano natural del lugar de la Utopía, que como dijo Birri, esta ubicado aquí en La Finca San Tranquilino. Son Cineteleastas sin fronteras que andan por todo el mundo trabajando de manera entrelazada y haciendo posible la visibilidad y la audibilidad de nuestras culturas.
Así que bienvenidos todos los que opten por venir a compartir estos tres años de “Aprender haciendo, hacer enseñando” y gracias a todos los que en cada país hacen posible las convocatorias y todo ese delicado proceso de preselección.
Descargar Calendario de postulación.
Descargar Ficha de Inscripción.
Jerónimo Labrada Hernández
Director General
Escuela Internacional de Cine y Televisión
San Antonio de los Baños
Nuevas Miradas 8 cerró su convocatoria
Nuevas Miradas 8/EICTV cerró su convocatoria con más de 100 proyectos recibidos de toda Latinoamérica, los que resulten seleccionados contarán con un taller de Tribeca Film Institute.
Como parte del evento, la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños y Nuevas Miradas reciben al Encuentro Nuevas Miradas Labs, un espacio de reflexión para la formación de la nueva industria cinematográfica, al que asistirán representantes de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Centroamérica, Cuba y México.
Con sus 27 años de experiencia la EICTV es un lugar propicio para trazar estrategias comunes de enseñanza. Confiamos en que esta iniciativa tendrá larga vida e impacto positivo en nuestra cinematografía latinoamericana.
Nuevas Miradas es un espacio de análisis e intercambio de proyectos cinematográficos en desarrollo. Organizado por la Cátedra de Producción de la EICTV y con la participación de especialistas invitados y profesores de las distintas cátedras de la escuela.
A lo largo de ocho años de intenso trabajo, Nuevas Miradas se ha caracterizado por impulsar óperas primas de noveles productores y directores. La iniciativa ha servido como un primer semillero de ideas que los estimula a seguir una ruta adecuada para su crecimiento, formación y financiación.
Hasta la fecha 175 proyectos han sido beneficiados en sus sesiones de asesorías. Entre éstos destacan las películas ya terminadas: Juan de los Muertos, de Cuba, ganadora del Premio Goya 2012 a mejor película iberoamericana; y Melaza, de Cuba, ganadora del Premio Especial del Jurado en el 11no. Festival Latinoamericano de Cine de Vancouver y Mejor Guión en el Havana Film Festival of New York.
Asimismo han sobresalidootras producciones como Ovnis en Zacapa de Guatemala, Tus Padres Volverán de Uruguay, Caballos de Cuba y La Visita, de Chile, las cuales están a punto de estrenarse.
Cada año más profesionales de las diversas industrias cinematográficas internacionales, se interesan por contribuir con Nuevas Miradas, y el evento ha adquirido bastante prestigio entre los formadores de la región.